Banks Violette

Sus bellas y sofisticadas esculturas se alimentan de violencia y alineación. Espectacular y teatral construye escenarios para la angustia contemporanea.

Está la potencia, poderosa, de la obra. Estéticamente avasalladora, de una capacidad turbadora inmediata a pesar de su minimalismo. Y está la icónica presencia del creador, quinta esencia del artista neoyorquino en el imaginario colectivo. Banks Violette (Ithaca, EE.UU, 1973), se despidió de la vida familiar a los 16 debido a su adicción a las drogas y su pasión adolescente por el death metal. Sus vivencias, extremas, alguna más allá del límite de la legalidad, se han integrado tanto en su obra como el su propio cuerpo, absolutamente tatuado, incluso en lugares donde solo las bandas mafiosas situan sus códigos. La seducción del lado oscuro funciona también en el mercado del arte, donde una belleza rara avis (casi) siempre es bien recibida. Adorado por coleccionistas, por la crítica y por todas las biblias de la moda, mantiene su actitud indiferente ante sus famosos padrinos, empezando por Hedi Slimane, el ex diseñador de Dior, quien le cita una y otra vez incluso desde su propia producción.

La iconografía del escenario y el backstage le relacionan directamente con las subculturas juveniles, con su angustia, su alienación y su necesidad de liberarla de forma muchas veces violenta. Puede que el mensaje sea sucio y descarnado, pero el medio no puede ser más frío y pulido. La Belleza y sofisticación de sus esculturas, de metal, neón, cristal, fibra de vidrioo incluso agua, apuntalan la lectura inquietante del espectador. En el fondo yace la idea del vacío, tanto del que aquja a la iconografía del artista, ciertamente despojada de significado por su reiterado uso , como la de esa pequeña parte de la sociedad de su país que permanece al margen del optimismo dominante. Algo en la actitud correcta y distante de Mr Darkside indica que, a pesar delos esfuerzos del sistema , sigue militando en las filas de los incrédulos.
Quizá ya no como el joven desesperado que fue, sino como el adulto al que un juicio claro (más de un año de rehabilitación) le confirma que la única vía es el nihilismo (palabra que, por cierto, lleva tatuada en la nuca). Caballero de triste figura, aparece ajeno a todo y a todos. No por encima ni por debajo, sino tristemente instalado en una melancolía que quizá ha cincelado en su rictus de perpetua tristeza.

Banks Violette Obras

Marlene Dumas

Marlene Dumas acostumbrada a cruzar barreras. La de los tres millones de dólares en una subasta - es la pintora más cotizada- o la de la crudeza soportable.

Sólo Louise Bourgeois ha podido arrebatarle a Marlene Dumas el mérito de ser la artista más cara. Una escultura de la mujer araña llegó a los cuatro millones de dólares,mientras que su cuadro The teacher (sub a) (1987) se quedó en 3.34, millones de dólares en febrero de 2005, cuando Christie's la coronó como la pintora contemporánea más valorada. Sin embargo, lo de menos es el dato. Lo de más, que una producción tan inquietante, y subversiva, que reflexiona sobre temas aún demasiado calientes como el recismo, la identidad sexual, la maternidad, la infancia, el terror y el abuso de poder, por citar algunos de sus predilectos, haya logrado colocarse como la más coltiazada del mundo. Su obra es esencialmente politica, con una fuerza inusitada que radica en una belleza violenta, unos personajes psicológicamente perturbadores y un significadoj ambiguo, suspendido, todo un misterio que el espectador debe resolver con sus propias claves culturales e ideológicas.
Casi todo depende en Dumas de la mirada. Su propia biografía puede explicar el papel que el comentario moral juega en su obra. Nacida en Ciudad del Cabo en 1953, con el aperheid en todo su apogeo, se formó en un clima de censura y represión. En 1976, una beca para ampliar sus estudios en Amsterdam le dio acceso a la cultura real, algo que hasta entonces sólo había vislumbrado en las revistas que llegaban a la solitaria granja donde vivía y precisamente, allí ha construido su casa y estudio.

Alex Rigola

Alex Rigola es uno de los directores más activos e influyentes de España. Su nuevo proyecto es una obra cargada de ironía titulada Dias Mejores. Los que vendrán cuando acabe la crisis. +

Álex Rigola ( Barcelona 1969) lo tiene muy claro. Cuando hace cinco años fue nombrado director del Teatre Liure -uno de los emblemas de la capital catalana- en medio de una plolémica que parecía apocaliptica, hubo quien pensó que la elección de un treintañero supondría la definitiva pérdida de rumbo. Nada más lejos de la realidad: Rigola ha logrado que el Lliure sea hoy uno de los teatros más activos de Europa. Además, es el único centro español con creadores residentes a lo que apoya, y difunde. Este invierno, coproducida por el teatro de La Abadia de Madrid, presenta Días mejores , una obra del estadounidense Richard Dresser en la que se retrata con humor la crisis económica: un grupo de desempleados sobreviven quemando coches para que otros parados cobren el seguro.

Rick Owens ***1***

Rick Owens, es un diseñador de moda que crea muebles a la venta en galerías de arte. Es el mundo insólito del insolente.

A un lado, el palacio de Borbón, sede de la Asamblea Nacional Francesa. Al otro los Jardines del Ministerio de Defensa. En el aire, un perfume de flores de lis blancas que sustituye al de rosas mediterráneas.
Cuando eligió domicilio en París, en los antiguos locales del Partido Socialista, Rick Owens se colocó en el centro de los órganos del poder y alzó su autoridad hasta el rango de los grandes mandatarios.
En ese barrio, elevado en un quinto piso, el diseñador californiano, vive, trabaja, acoge, almacena y expone. Hogar testimonio de un arte de vivir radical, donde el lujo coexiste con el descuido artísticamente fingido. Sus producciones, se presentaron por primera vez en octubre de 2007, en la galería Jousse Enterprise, revelan insitu el origen de sus singulares formas. Volumenes masivos que sirven para ocupar el desierto de grandes superficies, formas envolventes que palían la destrucción de algunos tabiques y acabados con aspecto inacabado para dialogar armoniosamente con el entorno. Al detallar sus fuentes de inspiración, Owens cita entremezclados los trabajos de Eileen Grey, la obra de Brancusi, la pastica defensiva de los búnkers y la elasticidad de la madera curvada de las pistas de skatboard.

Libros selectos- WOOL

Monografía del artista neoyorquino Christipher Wool, tan deudor del expresionismo, abtracto como el pop art, es un recorrido por toda su carrera.

Ediccioin limitada a 1000 ejemplares

Precio 750€

Art Edition

Con obra original, edicion de 100 copias

Precio 2800€

Edita Taschen

Bosco Sodi

Desde los años cincuenta los artistas han buscado nuevas maneras de enfrentarse al lienzo. La pintura de caballete se queda atrás y da paso a una relacción mucho más sensual con los materiales. Jason Pollock o Yves Klein trabajan con la tela tirada literalmetne en el suelo, llegando a veces a arrastrar su cuerpo o el de sus modelos por encima.
Bosco Sodi (Ciudad de México , 1970) es uno de los artistas que entiende la pintura como un ácto físico y una experiencia telúrica.. Las materias de sus lienzos son tierras naturales, cementos, pigmentos, aglutinantes, que Sodi trabaja directamente con las manos y a los que da forma como un labrador trabaja la tierra.
La recientemente inagurada galeria Casado Santapau, en Madrid, exhibe sus últimos cuadros y esculturas. En estas obras, Sodi muestra su interés en el proceso de elaboración de la obra, el paso del tiempo, la oxidación de los pígmentos y la transformación de los materiales.

El mexicano Bosco Sodi expone sus obras más recientes. Lienzos que rebosan color y vida, fruto de trabajar los materiales y las pinturas con las manos .

El azar tiene un cierto protagonismo: el accidente y lo inesperado actuan como un elemento más que acaba de dar forma a sus trabajos. Como explica el director de la galería, Damián Casado, "Bosco Sodi excava en la pintura como si fuera a abrir la corteza terrestre para descubrir lo que la herida en la materia quiere sacar a la luz."
Artista autodidacta, el mexicano señala a Rothko y a Tapies como dos de sus maestros. Admira al primero por el uso magistral del color y al segundo por su interpretación de la materia y su gusto por la sensibilidad oriental. Los colores fuertes, naturales, llenan con su presencia el ambiente y transportan al espectador, que ve abrirse ante sí ventanas al paisaje en estado puro

Saenredam

La capilla de San Antonio y la nave norte de la Iglesia de San Juan de Utrech (1645)

El pintor Pieter Jansz Saenredam (1597-1665)era un maniático del control. Tanto es así, que consagro la mayor parte de su carrera a prefeccionar obsesivamente su representación de la prespectiva. , Recorrió los Paises Bajos, de iglesia en Ayuntamiento, para medir el mismo fachadas, cruceros navesm, entreventanas y capiteles con el fin de plasmarlos fielmente. En 166628, decide que en adelante el único objeto de su obra sería la arquitectura, De este modo, se convierte en pionero en la materia en una época en la que nadie pintaba edificios reales, y la práctica más habitual era la trnscripción de arquitecturas imaginativas.

En su obra las personas son simples indicaciones destinadas a subrayar la majestuosidad de la arquitectura

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Dentro de su serie Contextos de la coleccion permanente, en la que una obra de la misma da lugar a una exposición, en el museo Thyssen-Bornemisza de Madrid presenta once lienzos de Saenredam, una recopilación que puede parecer algo escasa como retrospectiva de toda una carrera pero que no lo es en realidad. La muestra representa el 20% de la obra del artista, del que no se conocen más que 56 cuadros terminados. Al observar la fachada occidental de Santa María de Utrech (1662) , punto focal de la muestra, se comprende mejor la rareza de su arte. El trata con meticulosidad y cuidado los detalles que sus pinturas se utilizan para conocer como eran los edificios, hoy derribados o reformados, en el siglo XVII. En su preocupación por reflejar sin defecto las estructuras monumentales que describe dibuja montañas de esbozos preparatorios. Es esa misma preocuopación la que le lleva a hacer uso de una licencia pictórica: hace desaparecer, en caso de necesidad, elementos que juzga desgraciados. Desvalijadas por la reforma de los oropeles del catolicismo, sus iglesias lucen solemnes, casi monocromáticas, y sus vastos volúmenes, a la dimensión de Dios, se bañan de la luz dorada de lo sagrado.

Esculturas a escala joya de Sir Anthony Caro para Grassy

Todos los caminos llevan este invierno a Antony Caro (New Malden, Reino Unido, 1924) una figura capital de la escultura del siglo XX, cuya monumental obra, gran parte de ella realizada en metal, está presente en las colecciones de arte contemporáneo más importantes del mundo. Una versión a escala joya llega ahora a España gracias a Grassy para que la que Caro ha diseñado 19 piezas, en su mayoría hechas en oro de 18 kilates (4 están realizadas en plata). No e la primera vez que observamos esta colaboración. En 2006 Kosme de Barañano, exdirector de IVAM valenciano, ya había comisariado una primera colección de éxito inusitado. Ahora vuelve a hacerlo junto a Patrica Reznak, en una reedición de métodos y materiales. Los nueve colgantes, cuatro anillos, tres brochesy tres pares de pendientes, piezas únicas, firmadas y certificadas, fueron terminadas también en el taler madrileño de Francisco

Pacheco, y de nuevo ensayan las formas abtractas tan características del artista. En realidad estas pequeñas esculturas, sufren el mismo proceso de trabajo que sus grandes piezas, consiguiendo igual tono intimista. Sin dibujos previos ni bocetos, Caro se acerca directamente al material, reduciendo el problema de la escala a mera actitud mental.

Esta segunda colección para Grassy llega en un momento especialmente dichoso para el escutor británico. Su fantástica produción, de gran fuerza expresiva, es objeto de un triple homenaje en los museos de Calais, Grevelines y Dun kerque, que celebran la culminaciópn del extraordinario proyecto que le ha ligado durante varios años a esta zona del norte de Francia. Se trata de la inaguarción en la actuación de la iglesia de Bourbourg (cerca de Dunkerque), centrada en una capilla del siglo XIII situada en el mismo coro de la iglesia, y destruida desde la Segunda Guerra Mundial. Su Choeur de Lumiére (Coro de la luz) vuelve a la vida ahora gracias a una serie escultorica, un nuevo coro, la pila bautismal y dos grandes púlpitos. Un encargo (del ministerio de cultura francés) de tal envergadura que solo se encuentra un caso similar en Matisse y su Capilla del Rosario, en el pueblecito francés de Vence.